El Taller Sebastián Alonso (Sala de pruebas) se plantea como un espacio público de experimentación activa con la comunidad universitaria y la ciudadanía en general. En ese sentido, presenta un abanico amplio de cursos, talleres, laboratorios, proyectos y publicaciones a realizarse durante este 2025.
La grilla se compone de diversos cursos, tanto teóricos como prácticos, con docentes del taller y de la facultad, así como también de personas invitadas. Todas las actividades serán de carácter gratuito y abiertas a todas las personas interesadas, con prioridad de estudiantes matriculadas/os en el taller (por temas locativos y de modalidad de los cursos).
Las personas que no sean del taller y que tengan interés en pre-inscribirse pueden hacerlo aquí.
Cursos
Taller en curso:
- TALLER DE ACERCAMIENTO A LAS TÉCNICAS DE GRABADO EN ALTO RELIEVE A PARTIR DE MATERIALES REUTILIZABLES.
Docente invitado: Martín Gonçalves
Todos los viernes de 16 a 20 h.
Inicia el 2 de junio:
- ARTES VISUALES Y LA PINTURA CONTEMPORÁNEA
Docente: Alejandro Turell
Todos los lunes desde el 2/6 al 30/6 de 17 a 20 h.
Este curso propone una aproximación integral a la pintura contemporánea dentro del campo más amplio de las artes visuales, combinando perspectivas históricas, técnicas, conceptuales y prácticas. A lo largo de cuatro semanas, los estudiantes exploran la evolución de la pintura desde los movimientos del siglo XX hasta las expresiones más actuales, incorporando también medios digitales y cruces interdisciplinarios.
La primera unidad introduce las nociones fundamentales de las artes visuales contemporáneas, revisando movimientos clave como el impresionismo, cubismo, expresionismo abstracto, pop art y arte conceptual, para luego abordar cómo estos influyeron en la pintura actual. Se discute también el impacto de la tecnología, los medios y otras disciplinas como el videoarte y la performance.
Durante la segunda semana, el foco se traslada a las técnicas y estilos contemporáneos: desde la pintura abstracta expresiva hasta el realismo contemporáneo e hiperrealismo, sumando experiencias en arte digital. Los estudiantes experimentan con diferentes enfoques técnicos, tanto analógicos como digitales, fomentando la exploración personal.
La tercera unidad se orienta a la creación y análisis de obras contemporáneas, incentivando la reflexión crítica y la producción individual. Se estudian artistas actuales como Kehinde Wiley, Jenny Saville, Banksy o Ai Weiwei, para propiciar la realización de una obra personal que combine técnica, mensaje y estética contemporánea.
El curso culmina con la presentación de las obras y una reflexión final, promoviendo el pensamiento crítico, el diálogo colectivo y la autoevaluación del proceso creativo.
Inicia el 4 de junio:
- ARCHIVO FAMILIAR. De lo individual a lo colectivo
Docentes: Sofía Oña y Micaela Fernández
Todos los miércoles desde el 4/6 al 2/7 de 16.30 a 18.30 h.
Este curso tiene como propuesta trabajar en formato clínica con procesos artísticos propuestos por estudiantes.
Los objetivos del curso son por un lado, exponer ejemplos del archivo familiar y como este es fuente primaria para el desarrollo de propuestas artísticas, así como también, acompañar al estudiante dentro de su proceso para el desarrollo de la propuesta de interés personal.
- INSTITUCIONALIDAD DEL ARTE CONTEMPORÁNEO
Docentes: Camila Arbeláez y Sebastián Alonso
Todos los miércoles desde el 4/6 al 2/7 de 19 a 21 h.
El curso estará enfocado en el acercamiento a la institucionalidad del arte contemporáneo a escala global, y su análisis en la escala local. El curso abordará el contexto histórico que incentiva al surgimiento del análisis institucional del campo artístico, en particular las prácticas de crítica institucional a partir de los años 60’s.
El módulo tendrá una duración de un mes, con encuentros semanales de 2 horas, y finalizará con un trabajo escrito de análisis sobre el campo del arte uruguayo, en el que se aplicarán los casos y marcos teóricos abordados en clase, con el objetivo de que los estudiantes ganen una comprensión general de los diferentes bloques interconectados que configuran el escenario contemporáneo del arte.
Inicia el 10 de junio:
- EL MUSEO DESENFOCADO O DE LOS CRÁTERES DEL MITO
Docente invitada: Lourdes Silva
Martes 10/6, viernes 13/6, martes 17/6 y viernes 20/6 de 16.30 a 18 h.
¿Cómo fue capaz esa inteligencia orgánica, solitaria o expandida, única o acompañada, de construir un edificio de semejantes características? A través del proceso de excavación podemos acceder a las distintas capas naturales y antrópicas que sedimentan un lugar específico. Cuando excavamos removemos los depósitos de forma inversa a como se han producido, por lo que, se genera una crisis en el presente de los materiales e incluso una destrucción, es fundamental registrar, documentar, ficcionalizar y escuchar este proceso. ¿Qué sucede cuando excavamos? ¿Qué cosas aparecen y cuáles desaparecen? ¿Es posible utilizar herramientas arácnidas, tentaculares ? ¿Cómo se mueven las piezas? ¿Vibra el museo? ¿Emergencia de otro dispositivo? No se trata de descubrir objetos arqueológicos enterrados en los distintos estratos, sino de conocer el ambiente que los alberga: ¿cómo opera la atmósfera en la elección de un material, un gesto, una técnica, una mirada, un discurso? Es el museo una caja negra, una caja blanca, una selva: ¿Pentagrama, partitura, nota? Un sitio donde se controlan los niveles de humedad. Provocar el derretimiento, modificar el suelo, recibir líquenes. Un museo simbionte: ¿es posible? ¿Es necesario? ¿Qué es? ¿Ciencia ficción?
Objetivo del curso:
Explorar, reimaginar y remixar el concepto y la historia del museo a través de la escritura especulativa, el trabajo con la voz, el diseño de objetos y la creación de situaciones ficticias. Los estudiantes desarrollarán una comprensión crítica y creativa del museo como espacio cultural desbordado. Un museo con patas y garras, un museo plagado de hongos, un museo sin obras, un museo de piel, un museo sin cuerpo, un museo de sonidos, un museo abandonado, museo membrana.
Inicia el 18 de junio:
- PROBLEMAS CREATIVOS QUE SON LA BASE DE LA CREACIÓN
Docente invitado: Gabriel Calderón
Miércoles 18/6, lunes 23/6, miércoles 25/6 y lunes 30/6 de 14.30 a 16.30 h.
Toda creación artística nace, en algún punto, del conflicto. Lejos de ser un obstáculo externo, los problemas fundamentales —no ser, no hacer, no entender— son la raíz misma del proceso creativo. Esta propuesta parte de la premisa de que los bloqueos y zonas de incertidumbre no sólo son inevitables, sino necesarios para el surgimiento de formas nuevas. A partir de herramientas y ejemplos provenientes del teatro —en particular, de la dramaturgia, la dirección y la actuación— se propone reflexionar y ejercitar formas de enfrentar, transitar y activar esos problemas como parte integral del acto artístico.
Objetivo general del curso:
– Reconocer los problemas esenciales de la creación como fuerzas activas y necesarias en todo proceso artístico.
Objetivos específicos:
– Explorar las nociones de raíz, territorio y traducción como ejes para abordar zonas de bloqueo creativo.
– Investigar cómo los principios de “no ser”, “no hacer” y “no entender” pueden funcionar como activadores y no como frenos.
– Compartir ejemplos de prácticas teatrales que permiten avanzar en medio del conflicto creativo.
– Propiciar un espacio de reflexión crítica y de experimentación artística individual y colectiva frente a la incertidumbre.
Inicia el 21 de junio:
- ACTIVACIÓN ESCÉNICA DEL DISPOSITIVO
Docente: Federico Sánchez Toniotti
Lunes 21/6, miércoles 26/6, lunes 28/6 y lunes 30/6 de 19.30 a 21.30 h.
El curso se llevará adelante en base a cuatro ejes: cuerpo, espacio, texto y diseño, donde se buscará la activación de un dispositivo en un espacio fuera del aula, dentro o fuera de la Facultad. En cada encuentro se profundizará uno de los ejes en forma de capas; el eje que se profundizó continúa dialogando con los otros en los siguientes encuentros.
El Dispositivo se entenderá como “todo lo que enmarca, rodea y es parte de esa instalación, lo copta en “obra artística”: los muros, el piso, las ventanas, incluso los participantes se integran en esta totalidad. Todo acontece de un modo holístico, al decir de Groys, en un “aquí y ahora” del acontecimiento vivo del presente para las multitudes (su aura)” (Sebastián Alonso). Todos los elementos que compongan el espacio, incluso las prácticas artísticas que desarrollan los estudiantes, serán parte de la activación escénica.
Inicia el 23 de junio:
- FORMULACIÓN DE PROYECTOS: HERRAMIENTAS PARA CREAR, PRESENTAR Y COMUNICAR PROYECTOS ARTÍSTICOS-CULTURALES
Docentes invitadxs: Cecilia Otero y Eduardo Mateo
Lunes 23/6, miércoles 25/6, lunes 30/6 y miércoles 2/7 de 9.30 a 11.30 h.
Breve curso/taller orientado a brindar herramientas conceptuales y prácticas para la formulación, comunicación y sostenibilidad de proyectos artísticos, con foco en las artes visuales contemporáneas. Se abordarán los componentes fundamentales de una propuesta: definición de la idea, objetivos, metodología, actividades, presupuesto y cronograma. El curso también se enfocará en estrategias de comunicación adaptadas a distintos formatos y contextos, con especial atención a modelos de presentación que potencien la proyección de artistas y colectivos en el campo profesional: aplicación a fondos públicos, convocatorias, residencias, elaboración de dossier y portfolio. Se presentarán ejemplos y referencias de convocatorias actuales, atendiendo a sus requerimientos específicos.
Objetivo general del curso:
Brindar herramientas conceptuales y prácticas para que estudiantes puedan formular, comunicar y sostener proyectos artísticos viables, coherentes y significativos, tanto en convocatorias como en contextos de autogestión.
Inicia el 2 de julio:
- EL ARCHIVO EN EL CAMPO DEL ARTE
Docentes: Sofía Oña y Micaela Fernández
Todos los miércoles desde el 2/7 al 13/8 de 16 a 18 h.
Este curso tiene como duración 2 meses con encuentros semanales de 3 horas.
Consta de 6 sesiones donde abordamos y trabajamos sobre uno de los fondos del archivo fotográfico del Archivo Nacional de la Imagen y la Palabra o de alguna otra institución que cuente con colecciones fotográficas.
Objetivos del curso:
Acercarse a conceptos básicos propios de la disciplina archivística, con el fin de comprender cómo funcionan las instituciones que conservan y difunden sus archivos. Abordar este tipo de material de archivo para el campo del arte y como este se nutre para el desarrollo de las prácticas artísticas.
Inicia el 22 de julio:
- TANQUE DE ARTE PÚBLICO Y AMBIENTE
Docente: Federico Lagomarsino
Todos los martes desde el 22/7 al 2/9 de 15 a 17 h.
El principal objetivo del Tanque es acercar a estudiantes a diversos fenómenos, obras y prácticas públicas, promoviendo una reflexión sobre la ciudad y el medio ambiente como escenario, objeto y contexto en sus propios proyectos e investigaciones. Busca fomentar un diálogo activo con la arquitectura, el arte público y la intervención artística con perspectiva de sitio específico.
El curso está organizado en 8 sesiones que proponen presentaciones, ejercicios específicos y actividades de sitio. Cada sesión se desarrolla de manera autónoma, permitiendo abordar temas específicos a través de diferentes dinámicas.
Se propondrán sesiones con presentaciones centradas en debates contemporáneos, como la sustitución, derribo o resignificación de monumentos, en diálogo con los estudios decoloniales y las transformaciones del espacio público. Se abordará la secuencia conceptual que va del monumento al antimonumento, el contramonumento, pasando por intervenciones urbanas, urbanismo táctico, instalaciones temporales, arte urbano y manifestaciones públicas nacionales vinculadas a problemáticas sociales y ambientales.
Inicia el 25 de julio:
- SOBRE EL ARTE CONTEMPORÁNEO
Docentes: Camila Arbeláez y Sebastián Alonso
Todos los viernes desde el 25/7 al 5/9 de 19 a 21 h.
Brindar a los estudiantes herramientas conceptuales y críticas para comprender las prácticas artísticas contemporáneas desde una perspectiva genealógica, atendiendo a sus vínculos con la historia del arte, la teoría crítica, la filosofía, el territorio, las tecnologías y las transformaciones en los modos de producción, recepción y circulación del arte.
– Introducción a una perspectiva genealógica del arte contemporáneo
– La influencia del arte conceptual en el arte contemporáneo
– El arte contemporáneo y el territorio
– Arte y contexto
– Realismos especulativos
– Evolución de la imagen fotográfica en relación a la distancia con el objeto observado
– Arte, técnica y tecnologías en las prácticas contemporáneas
Inicia el 4 de agosto:
- INSTALACIONISMO Y MUSEOS CONTEMPORÁNEOS EN LAS ARTES VISUALES Docente: Alejandro Turell
Todos los lunes desde el 4/8 al 13/10 de 17 a 19 h.
Este curso teórico-práctico aborda el instalacionismo como una de las formas más significativas del arte contemporáneo, explorando sus orígenes, evolución y su relación con los museos actuales. A lo largo de cuatro semanas, se propone una inmersión conceptual, material y experiencial en la instalación artística, entendida como una obra tridimensional que transforma la percepción del espacio y la participación del espectador.
Durante las primeras semanas, se introduce el concepto de instalación, su historia, principales referentes (como Duchamp, Beuys, Turrell, Hesse, Ai Weiwei, entre otros), y se analizan las dimensiones espaciales, materiales y conceptuales de estas obras. Se exploran también sus implicancias sociales, políticas y ambientales.
El curso dedica una unidad especial a los museos contemporáneos, reflexionando sobre cómo estos espacios han modificado sus estructuras y formas de exhibición para adaptarse a obras interactivas, inmersivas y efímeras. Se analizan casos emblemáticos como el Guggenheim de Nueva York, el Tate Modern y el MoMA, entre otros.
La propuesta culmina con la creación y presentación de una instalación artística, individual o colectiva, permitiendo a los estudiantes aplicar los conceptos trabajados. El enfoque metodológico combina análisis teórico, estudio de casos, producción práctica y reflexión crítica, promoviendo una comprensión integral del instalacionismo y del rol de los espacios expositivos en el arte contemporáneo.
- MONTAJE DE EXPOSICIONES
Docente invitado: Niklaus Strobel
Lunes 4/8, jueves 7/8, lunes 11/8 y jueves 14/8 de 14 a 17 h.
Módulos teóricos: historia del montaje de exposiciones; tipologías de montaje
Módulos prácticos: herramientas; visitas; ejercicio de montaje
Historia del montaje de exposiciones
– Prólogo: montajes caseros.
– Antecedentes del montaje: la iglesia y el castillo.
– Inicios del coleccionismo: el gabinete de curiosidades.
– El surgimiento de la burguesía: merchantes e interiores.
– La institucionalización: el salón y el museo.
– El artista como empresario: el taller y las exposiciones.
– La re-sacralización: el desarrollo del cubo blanco.
– Posmodernismo: deconstrucción y acervo accesible.
Inicia el 3 de octubre:
- INTRODUCCIÓN A LAS PRÁCTICAS CURATORIALES Y MEDIACIÓN.
Docentes: Camila Arbeláez y Sebastián Alonso
Todos los viernes desde el 3/10 al 31/10 de 18 a 20 h.
Este curso tiene como objetivo acercar a los estudiantes a los primeros ejercicios de curaduría y mediación, tomando como punto de partida las primeras aproximaciones a la figura del crítico moderno, desde Diderot a Baudelaire, así como los primeros enlaces a las exposiciones, los fenómenos que dan inicio al campo expositivo y la posterior entrada de la mediación como territorio de experimentación autónoma dentro de la contemporaneidad artística.
El módulo tendrá duración de dos mes, con encuentros semanales de 2 horas, y se incluirán visitas a espacios culturales/artísticos, exposiciones y actividades de mediación en el marco de las respectivas visitas.
Laboratorio
- GUARDAR IMÁGEN COMO…
Docente invitado coordinador: Diego González Benvenuto
Arte contemporáneo, política y producción de conocimiento
Presentación
Este seminario propone explorar las funciones cognitivas y políticas del arte contemporáneo, entendiendo sus prácticas no solo como productoras de objetos estéticos, sino como agentes activos dentro de una política cultural que puede imaginar alternativas al orden dominante. Se abordarán las mutaciones en las formas de hacer y pensar el arte, sus vínculos con las prácticas curatoriales, y su entrelazamiento con la producción y circulación del conocimiento en el contexto global y latinoamericano. Reflexionaremos sobre cómo el arte puede mantener viva su capacidad crítica frente a los desafíos actuales. Se trata de analizar de forma situada, desde la práctica y el pensamiento crítico, cómo conceptos teóricos se transforman al ser activados en procesos artísticos. Se promueve un enfoque «clínico», que evalúe las prácticas reales y las haga mutar frente a sus atolladeros contemporáneos.
1. La edición como práctica artística y política
La desmaterialización del arte abrió en los años 60 un campo híbrido donde convergieron arte, crítica y activismo. Hoy, las publicaciones artísticas (libros, revistas, fanzines, sitios web) constituyen un medio de experimentación estética y política, y un espacio alternativo de circulación de saberes. Este seminario analizará, en clave comparativa entre Latinoamérica y Europa, cómo las prácticas editoriales han sido herramientas cruciales para artistas, curadores y colectivos desde 1999 hasta la actualidad.
2. Políticas curatoriales: del arte relacional al nuevo institucionalismo
Analizaremos la exposición como forma crítica y política, y el rol del espectador en las transformaciones de la curaduría contemporánea. Desde los años 60, artistas y curadores han expandido el formato expositivo hacia prácticas más participativas y democráticas. Revisaremos las contribuciones del Nuevo Institucionalismo y la estética relacional, así como el debate actual sobre cómo las instituciones artísticas producen conocimiento y cultura. Se abordará la curaduría no solo como práctica estética, sino como acto político capaz de desafiar normas establecidas y abrir debates públicos.
3. Estética, política y poder
El arte contemporáneo es concebido como un laboratorio político que crea «espacios de posibilidad» para pensar otras realidades. Aun manteniendo cierta autonomía, cada gesto artístico tiene consecuencias políticas: redefine qué es visible y decible en la sociedad. Se discutirán las tensiones entre el potencial crítico del arte y su cooptación por museos, bienales y mercados globales. Se abordará la exposición como acto político, la estetización de la política en la era mediática y la función de archivo y memoria en las prácticas artísticas actuales.
4. Política epistémica del arte y educación en América Latina: especulaciones sobre la función cognitiva del arte.
Se examinará cómo el arte contemporáneo se articula con las políticas de conocimiento, cuestionando los marcos eurocéntricos y proponiendo alternativas epistémicas desde contextos del Sur Global. Analizaremos la investigación artística como una práctica que puede desafiar las economías del conocimiento neoliberal, pero que también corre el riesgo de ser subsumida por ellas. Se abordará la dimensión crítica del arte frente a las condiciones globales de producción cultural y su rol en la circulación de saberes.
Consultas: tallersaladepruebas@gmail.com